Grupo 4.B -> Tema 4 El vídeo y el documental -> 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

SEMANA 6

GRUPO 4.B: EL VIDEO Y EL DOCUMENTAL

• Alba Navarrete Valdivieso "La lealtad de los animales frente al humano"                                                                                              Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alejandra Martínez Alpiste "Cortometraje: Una vida social"      Epígrafe 4.3 El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural

• Yaiza Maeso San Saturnino   "Trivial"                                 Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yasmina Mansour Orti   "Soda"                                                 Epígrafe 4. 4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

La lealtad de los animales frente a los humano

Aunque ya no estemos en Navidad no es precisamente el tema principal de lo que quiero explicar, si no que a día de hoy este pequeño anuncio en forma de cortometraje me llegó y del que es imposible olvidar. No es ni más ni menos que la cuestión de que los animales no son juguetes para jugar y al cansarte tirar como si de basura se tratara. 

Nunca llegaré a entender cómo alguien tiene la suficiente sangre fría como para hacer tal acto sin contar con lo extremista que viene siendo el severo maltrato y muertes que se producen en muchas ocasiones desgraciadamente.

Los animales siempre son 100% leales a los humanos aunque siempre se ve lo negativo frente a lo positivo. Si el perro es súper bueno pero se mea, solo se quedan con ese defecto. Al mismo tiempo las personas que lo abandonan porque no se pueden hacer cargo o es violento me gustarían que pensaran y me contestaran, ¿harías lo mismo con alguien de tu familia? ¿No? Pues aplica eso con los animales, no son inferiores a ti porque no sepan hablar, no lo desprecies, no lo maltrates, no lo abandones, no lo mates.

Los animales aunque los abandones siempre te perdonarán, te darán lealtad, ¿por qué haces eso? No es excusa abandonar, no es excusa maltratar. 

No se puede maldecir a esas personas o amenazar, simplemente el karma se lo devolverá. 

Ojalá desaparezcan estos tipos de anuncios, cortometrajes, etc; que solamente quede como algo de pasado porque significará que el abandono, maltrato y muerte por odio habrá cesado. Seamos tan leales como ellos a nosotros. 

Cortometraje: Una vida social

El tema que trata este cortometraje ya se ha tocado varias veces: ya sea en otros cortos o en series. Es más, cuando lo vi, me recordó mucho a un episodio de Black Mirror, en el que la gente se medía por la popularidad en las redes sociales y, cuando eras amable con alguien, te daban puntos pero si por el contrario, no lo eras, te puntuaban de manera negativa. El tener más o menos puntos decidía tu clase social, el poder optar a un trabajo o a una casa. La protagonista del episodio se obsesionaba. Lo mismo ocurre en este corto. 

Me parece una buena manera de hacer conciencia. No veo mal que compartamos ciertas cosas de nuestra vida privada, siempre que no sean demasiado privadas. Hay gente para todo pero hay quien, en mi opinión, dice demasiado o, crea una imagen no real sobre su vida, lo que no me parece nada sano porque al final, se acabaran creyendo su propia mentira. 

No veo necesario la mentira en las redes sociales.

Trivial

Nos encontramos ante un vídeo de temática de videoarte realizado por María Alejandra Amado, Paula Barragán, Ana María Mosos. El vídeo se titula “Vacío” y trata un tema por el que más de uno hemos pasado en algún momento de nuestras vidas, el sentirte vacío e invisible hacia el mundo.

Este vídeo no lo comento por habérmelo encontrado de casualidad, sino, porque estaba buscando uno de esta temática debido a la reciente serie que he visto, titulada “Por trece razones” la cual me pareció muy interesante ya que te ayuda a comprender que pasa por la cabeza de una persona que siente que no encaja en este mundo y cuales son las razones por las que decide suicidarse.

Volviendo al vídeo en si, podemos apreciar como la protagonista, por más gente que pase a su alrededor no se siente parte de nada, nadie la percibe, pero también es cierto que tampoco hace nada por ser percibida. Entonces ¿Dónde termina la culpa de los demás de crear el vacío en una persona y dónde empieza la culpa de la persona en no luchar por hacerse sentir llena?

Este tema es muy complejo, y solo la persona que siente ese vacío es la única que puede hacer algo realmente para remediarlo, porque al igual que en la serie de por trece razones y como hace la protagonista, deja que pese más sobre sí las cosas malas que le suceden en la vida que las buenas, como vendría a ser Clay.

Pero por más vacío que te sientas en esta vida, por más invisible que te sientas o por más cosas malas que te puedan llegar a pasar, el suicidio nunca debería de ser la solución, porque como dice el dicho “tras la tormenta, siempre viene el arcoiris” y lo verás más reluciente si tu has puesto de tu parte para que aparezca.

Soda

Y del videoarte, al videoclip. 

En esta entrada analizaré una de las obras musicales de Michel Gondry, un conocido director de cine famoso, entre muchas cosas, por su película The Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004).

Gondry ha realizado decenas de videoclips para músicos tales como Björk, Daft Punk, Radiohead, The Rolling Stones y Kanye West.  El videoclip que he escogido pertenece a Cibo Matto, una banda formada por las dos japonesas Yuka Honda y Miho Hatori. El nombre de la banda significa “Comida Loca” en italiano, y sus letras se caracterizan por usar a menudo diversos tipos de comida como metáfora.

En Sugar Water (1996) la metáfora se ve amparada por la propia estructura del vídeo.

Azúcar, agua. Dulce e insípido. Dos maneras de ver, dos realidades. Gondry parte la pantalla en dos: Por un lado tenemos a Sugar y por otro a Water. Ambas son dos jóvenes aparentemente normales, hasta que llegan a la ducha y una escoge el agua y la otra el azúcar para bañarse. Después de esto, comienza la rutina de cada una de ellas.

Es interesante el papel de los colores en el videoclip (Sugar se representa con tonos cálidos y Water con tonos azules), ya que aportan una personalidad a los personajes: el agua, insensible, vacía. El azúcar, cercano, pegajoso. La elección  de los colores es algo que al espectador se le pasa inadvertido, pero que tiene todo un estudio detrás.

La elección de los planos es armoniosa y contribuye a construir una realidad conjunta entre las dos realidades, uniéndose al final en una sola. Sugar ocupa el lugar en pantalla de Water y viceversa. Esto puede interpretarse como que desde el primer momento el autor ha querido mostrar a una sola persona, con los dos lados que todos poseemos. El videoclip finaliza con el final de sus rutinas, con la unión de dos vidas. El autor consigue hilar una trama en la que la identidad es la pista. La estética aporta al argumento y lo realza, siendo al final una obra psicológica, con ciertas pinceladas de paranoia.

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SEMANA 3

GRUPO 4.B: EL VIDEO Y EL DOCUMENTAL

• Alejandra Martínez Alpiste   "Taras"                                                        Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yaiza Maeso San Saturnino    "Humanos"                          Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alba Navarrete Valdivieso   "Selección de estereotipos y ambiente musical"                                                                                           Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural

• Yasmina Mansour Orti "El artista VS los bastardos del arte"                                                                                                                     Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

Taras

Realizado por Roberto Pérez Toledo, padrino del premio Fundación Repsol Rompiendo Barreras de Jameson Notodofilmfest. 

En el reparto encontramos a Lucía Estévez y Álec Cerezal como protagonistas y a Juanki Diges, Luis Enrique Juan Ibáñez, Marta Ribeiro, Carlo Blanco, Enrique Cervantes, Sara Sierra, Jesús Lavi, Dayana García, Lluís Mosquera, Mim Burton, Irina Cosmopolitan, Francesc Gascó, Naiara Carmona, Miguel Ángel Bellido, Laura Tejeda, Carlos Luengo y Alejandro Gómez.


Poco puedo comentar sobre este corto ya que creo que habla por sí solo. 


Estoy muy de acuerdo con lo que dice la chica,  sería mucho más fácil si mostrásemos nuestros complejos, inseguridades o taras a los demás y aprendiésemos a aceptarnos, ya que nadie, ni siquiera nosotros mismos, es perfecto y aun así, somos maravillosos.

Humanos

La finalidad de este vídeo es transmitir que da igual tu nacionalidad, color o cultura, todos pertenecemos a una misma raza, que es la raza humana.

Desde hace muchos años se lucha por una igualdad de cualidades entre personas de distintas etnias y poco a poco con el esfuerzo de todos se va consiguiendo tolerar y respetar a los diferentes a nosotros, ya que es ahí donde está la gracia. Es necesario que existan diversidad de creencias, religiones, culturas, colores. Si no, ¿en qué clase de mundo viviríamos? ¿Qué gracia tendría que todos tuviéramos los mismos gustos, creencias o aficiones? En la variedad y diversidad esta la riqueza, y es que lo más bonito del diferente es que hoy en día tenemos la posibilidad de nutrirnos de él y abrir nuestra mirada hacia distintos puntos de vista, porque no todo es blanco o negro, en esta vida, se puede aprender del que menos se espera.

A pesar de esto, hoy en día hay mucha desigualdad, desigualdad que hay que erradicar, puesto que a pesar de todas nuestras diferencias, hay algo que nos une, y es que somos humanos y que todos merecemos el mismo respeto independientemente de nuestra etnia o creencias.

Selección de estereotipos y ambiente musical

Nuevamente me centro en los estereotipos aunque esta vez con un fin diferente.

Para empezar me he fijado que en todos los cortometrajes que he visto acerca de los estereotipos en la sociedad siempre ponen a la mujer como la insegura mientras que al hombre se le ve como complaciente. Con todo ello noto la sensación de que esto es algo discriminativo además de que la sociedad tacharía de débil al hombre si muestra algún sentimiento de inseguridad. Pero, ¿por qué siempre es la mujer la que tiene los problemas? ¿Por qué nunca vemos a personas del mismo sexo?

Aunque no todo es crítica hacia este cortometraje, ha habido una parte que me ha fascinado, pues han utilizado la música como medio para transmitir lo que uno siente sin necesidad de decir nada mediante la palabra. Es increíble como la música puede pasar fronteras e interactuar con personas de diferentes nacionalidades simplemente con tocar unas notas. En mi caso cada vez que escucho algún instrumento musical siempre me queda al más puro corazón.

Sea el modo en que se cuente algo ya sea con personajes o sonidos, lo importante es que sea lo más real posible y que su fin sea comprender y mejorar cada vez más a nuestra sociedad. 

Para más información: Vimeo - Valse à quatre mains

El artista VS los bastardos del arte

Existen dos tipos de artistas: los buenos y los malos. El verdadero artista no tiene miedo de admitir que lo es, mientras que los otros se ocultan tras los miles de argumentos que la sociedad construye para delimitar el arte. No obstante, las masas saben reconocer al artista genuino; o bien despechándole, o bien amándole. Todo el mundo se considera un artista. Todos pintan alguna vez, o escriben una historia. Pero el verdadero arte se compone de algo más, de un ingrediente que todos hemos sentido al contemplar una obra, y ese ingrediente es un secreto que cada verdadero artista posee y guarda para convertirlo en una obra única. Por lo general, ese artista está dotado de una serie de características que lo hacen extravagante, misterioso, esquizofrénico. Casi no hay ningún buen artista que se haya librado de los miles de dedos señalando hacia su dirección, de la mofa o de las miradas incrédulas. 

Todo esto tiene un fin propagandístico: el arte tiene dos fases, por lo general:

• CREACIÓN: Como el verbo indica, se crea la obra de arte. No tiene mucho más. (Por ARTE entiéndase; cuadro, novela, canción, película, vídeo, fotografía… todo lo que se incluya en la pintura y el dibujo, el cine, la música)

• VENTA: Un artista debe saber venderse. Si uno quiere vivir de ello, o como mínimo trabajar de algo que le guste, debe asegurarse de que los demás admiran su trabajo. Esto es un poco difícil, ya que la lucha entre los artistas y los bastardos del arte suele estar bastante reñida, por eso de que la mitad de la población (sobre todo en este país, pero puede aplicarse a otras partes del mundo) no saben diferenciar una colilla de un cuadro vanguardista. 

Y ahora es cuando os digo, queridísimos lectores de 2º de CAV, (o CAU, lo que queráis) que os cuento todo esto para hablaros de videoarte una vez más. (¡Sí, detrás de toda esta pseudocrítica hay una intención!). Aunque esta vez voy a hablar de una obra poco conocida. Una obra a la que yo misma he nombrado obra: es, en realidad, un documental creado como excusa para mostrar una serie de experimentos visuales que responden al nombre de videoarte. En el documental se introduce una serie de fragmentos que comparten ciertas similitudes, como los cortes en la estructura, el juego de luces y las sobreimpresiones, que aportan en conjunto un resultado metafísico y siniestro en ocasiones. Entonces, el videoarte puede ser un añadido en una película, un corto (…) puede ser ese ingrediente clave. En este caso hablamos de un documental, un documental normal y corriente, una entrevista a una artista. Obviando lo interesante que pueda ser esta, el documental per se solo es un documental. Lo que lo convierte en una obra de arte son esos fragmentos que le añaden una textura, que convierten la imagen. Con esto quiero decir que el videoarte es un recurso, es una manera de darle una pincelada artística a algo que se aleja de ello, como una simple entrevista. Lo interesante es que es relativamente fácil dar esa pincelada, es un adorno puesto a propósito con un fin estético. En el caso del documental que os dejo abajo, no era tanto la búsqueda del mensaje, sino transmitir lo que las imágenes pedían. Porque a veces, solo la mirada de un artista puede convertir una grabación aparentemente absurda de un coche aparcando en una obra sobre la vida y la muerte.

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SEMANA 2   

GRUPO 4.C: EL VÍDEO Y EL DOCUMENTAL

• Isabel Martínez Navarro "Emoción a 400 metros sobre el suelo"                                                                                                  Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural  

• Alba Garrido Sánchez  "The Cove: cuando el agua se tiñe de sangre"                                                                        Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural  

• Germán Martínez Masanet " La ficción es un juego de mesa."                                                                                   Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performances, teatro, videoclip...

• Marta Lluch Valero "Naturaleza muerta (Still Life) de Sam Taylor-Johnson"                                                             Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performances, teatro, videoclip...

Emoción a 400 metros sobre el suelo

Hace unos meses vi la película El desafío (2015) dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Joseph Gordon Levitt. Quedé maravillada por el ser tan especial que retrataba, Philippe Petit, el cual es un funambulista francés que el 7 de agosto de 1974 cruzó las Torres Gemelas en el World Trade Center de Nueva York sostenido únicamente por un cable. Después de verla, investigué más sobre él y descubrí la pieza documental que traigo hoy, dirigida por James Marsh, basada en la novela de Philippe con el mismo nombre, Man on Wire. Esta vez me impactó aún más, pues además de estar recreadas muchas de las partes, vemos imágenes reales del momento y entrevistas con los protagonistas, Philippe y los amigos que le ayudaron en su gran hazaña.

                                       Man on Wire (2008)

Todo tiene un estilo muy setentero, con el que nos impregna ese espíritu revolucionario y de libertad de la época. Consigue emocionarnos cuando vemos a unos jóvenes franceses ayudando a su intrépido amigo en su loca idea. Nos explican el proceso, cómo consiguieron colarse en las entonces aún en obras Torres Gemelas, cómo esquivaron a los guardias durante la noche para colocar un cable de 200 kilos que uniera los dos edificios y cómo al día siguiente, los guardias (impresionados y muertos de miedo) vieron estupefactos cómo Philippe Petit de 24 años, no contento con atravesarlo una vez, lo hizo hasta en ocho ocasiones, llegando a estar cuarenta y cinco minutos a más de cuatrocientos metros de altura sobre Manhanttan. Las calles se llenaron de personas que veían sorprendidos lo que ocurría, sin poder llegar a creérselo. Cuando puso pie en tierra, fue detenido. Pero eso era lo de menos, había conseguido realizar el gran reto que había preparado y esperado durante años. Cuando le preguntaron que por qué lo había hecho, él contestó: “Para hacer que la gente se detenga un minuto y mire hacia arriba”.

Y si esta apasionante historia no os resulta suficiente premisa para gastar algo más de una hora de vuestra vida en este vídeo, debo añadir que ganó el Oscar al mejor documental largo de 2008. Disfrutadlo. 

The Cove: cuando el agua se tiñe de sangre

The cove es un documental estrenado en el 2009 dirigido por Louie Psihoyos que muestra la matanza de delfines en una cala en Taiki Wakayama (Japón). Pero no solo se centra en la matanza que realizan para el consumo humano, sino que también profundizan en la utilización de animales para el entretenimiento humano (espectáculos en delfinarios y acuarios) y lo que provoca esto en la vida de los delfines. Mediante cámaras de alta definición y micrófonos submarinos muestran unas imágenes que no dejan a nadie indiferente.

Un documental imprescindible y muy impactante que nos enseña hasta dónde podemos llegar para conseguir lo que queremos y cuán crueles podemos ser los humanos. Personalmente, visionar el documental es bastante duro por las imágenes tan explícitas que muestran. Sin embargo, es un documental que nadie se puede perder ya que causa un cambio a toda persona que lo ve.

La ficción es un juego de mesa

*Corpus Callosum, vídeo del legendario cineasta experimental Michael Snow, que ha recorrido innumerables galerías de arte de todo el mundo, nos da desde su mismo título las herramientas necesarias para su total comprensión: el “cuerpo calloso” es el haz de fibras nerviosas que conecta los dos hemisferios cerebrales (derecho e izquierdo). Su correcto funcionamiento garantiza que los ambos lados del cerebro funcionen de manera conjunta y complementaria.

Según Michael Snow su obra “está construida a partir de la idea de, re-presenta, crea, examina, presenta, está compuesta por, y está, “entres”. Entre principio y fin, entre “natural” y “artificial”, entre ficción y realidad, entre escucha y visión, entre 1956 y 2002”.

En *Corpus Callosum Michael Snow nos presenta un vídeo compuesto de diversos sketches en los que se exploran varias dicotomías. Los actores (que se nos presentan de una forma casi documental en la oficina (con largos planos secuencia sin cortes)) son tanto sujetos como objetos, debido a los efectos de animación hechos en la imagen en posproducción.

La obra transita, pues, entre la realidad y la ficción, entre la intelectualidad y la comedia más burda, entre el vacío y el simbolismo.

Snow juega con los espectadores manipulando la estructura convencional de la ficción (un ejemplo: los créditos aparecen a la mitad del metraje), y del propio medio (para cambiar de plano y de secuencia las imágenes se estiran como un chicle mutando en otras). 

Estos elementos sacan al espectador del vídeo, forzándole a hacer una lectura más reflexiva del conjunto, con recursos como que aparezcan los propios técnicos de la obra trabajando con los ordenadores en una oficina (¿trabajan en la propia obra que estamos viendo?), también poniendo el decorado que vemos, que aparece y desaparece aleatoriamente haciéndole la vida imposible a los personajes, esclavos de la voluntad del creador (Michael Snow, suponemos).

Podemos detenernos en dos de los fragmentos que más me han impactado:

1.- Autorreferencialidad: Un plano cenital fijo en el que se ven unos niños sentados en lo que parece un aula escolar. Poco tiempo después los niños detectan que están siendo observados y amontonan las mesas de tal forma que un niño se sube y consigue apagar la cámara.

2.- Metavídeo: Al principio se observa, en un plano fijo, una puerta al final de un pasillo por el que entran los trabajadores de la oficina. La cámara inicia un zoom lento hacia la esquina superior derecha donde se ve un televisor (lo que ve una cámara de vigilancia, puede ser). A medida que el zoom se intensifica vemos que lo que se ve en la pantalla es el mismo plano fijo en el que se veía la puerta al final del pasillo. El zoom se detiene con un plano de la pantalla idéntico al que iniciaba este fragmento. Nos preguntamos entonces si el primer plano fijo que veíamos no era sino un vídeo dentro de otro vídeo, en un bucle infinito de vídeos.

Aunque se permita algunos detalles humorísticos, no recomendaríamos *Corpus Callosum a cualquiera. Supone un estímulo sonoro y sobre todo visual, pero hay que verlo como una obra casi ensayística. Una reflexión, crítica, parodia y deconstrucción de la sociedad, los roles de género, la familia, el proceso creativo, (los límites de) la ficción, los personajes y la materia videográfica.

Naturaleza muerta (Still Life) de Sam Taylor-Johnson

En la reconocida película Naturaleza muerta (Still Life, 2001), se muestra la descomposición de las piezas de fruta de un frutero de manera acelerada, creando un memento mori visceral. El tema principal de la pieza audiovisual es la mortalidad donde, a través de una imagen pictórica, la cámara estática captura ese proceso de descomposición del recipiente de frutas, hasta quedar convertidas en una amorfa masa de moho. 

La autora de esta película considerada como videoarte es Sam Taylor Johnson. La artista británica comenzó a llamar la atención de la crítica por la combinación de humor y crítica social, presente en sus primeras obras. Pero su trabajo se volvió más meditativo, con la ironía todavía presente, pero se concentró con mayor fuerza en la soledad, el aislamiento, la pena y el paso del tiempo. Quizá por las graves enfermedades por las que atravesó: un cáncer de colon en 1997 y más tarde, en 2000, un cáncer de mama. Se negó a tomar una medicación que acabaría con su fertilidad y tal vez sintió la inspiración para esta obra en ello. Todo esto está plasmado en su obra Naturaleza muerta, donde muestra el marchitamiento de la vida porque todo termina, todo se va deteriorando y no se puede hacer nada contra el paso del tiempo y sus circunstancias. 

Para más información: Sam Taylor-Johnson - Still Life, 2001

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SEMANA 2

GRUPO 4.B: EL VIDEO Y EL DOCUMENTAL

• Yaiza Maeso San Saturnino    "Lo que no se ve"                           Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alba Navarrete Valdivieso   "¿Y si esto solo fuera un sueño?"                                                                                                    Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural

• Yasmina Mansour Orti "El Hermano Menor"                               Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alejandra Martínez Alpiste   "Ser capaces de volver al propio corazón"                                                                                                               Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

LO QUE NO SE VE

Nos encontramos ante un vídeo de la categoría de Video Arte llamado “Corpo e estética” publicado en 2014.

Los actores están poniendo en práctica una disciplina denominada “Expressao corpo e voz”. 

Dicho video está realizado por estudiantes de segundo curso, del Centro Universitario Belas Artes.

Los participantes son Alumnos de dicho grado, por lo que se puede entender que se realizó como trabajo de la propia carrera.

Nos encontramos con:

Bruna Marques

Bruna Kim

Camila Vieira

Leticia Pinto

Nayara Prochnau

Rafaela Maitino

Reinaldo Montalvao

Para no tratarse de un vídeo en el que aparece gente conocida y que su canal cuenta con tan solo dos vídeos, tienen una gran cantidad de visualizaciones, nada más y nada menos que 63.385

Esto podría deberse a la temática del vídeo,  se trata de un vídeo artístico con una visión muy subjetiva, que sirve sobre todo para reflexionar. Cuando comienzas a verlo no entiendes muy bien qué es lo que pretenden transmitir, pero si aguantas hasta el final, todo cobra sentido.

En la sociedad “la mayoría” estamos muy preocupados de que nuestra apariencia física resulte atractiva y agradable hacía todos aquellos cuantos nos cruzamos por la calle. Nos maquillamos en exceso, llevamos ropa bonita y atractiva y si no nos vemos bien delante del espejo no nos sentimos seguros de salir a la calle, por miedo al rechazo, a que nos critiquen por llevar ojeras de más o porque nuestra ropa no esté planchada. Y francamente, esto es muy lamentable.

Como se aprecia en el vídeo, todos acaban pintarrajeados de tal manera que sus expresiones no muestran felicidad, sino que muestran insatisfacción, insatisfacción hacia el hecho de que se preocupan más por cómo les vea la gente que por cómo realmente se sienten, y eso se ve reflejado en el estropicio de sus caras.

Deberíamos pasaremos más tiempo arreglando nuestro interior, que nuestro exterior, que al fin y al cabo es lo que realmente merece la pena, el resto, acaba devorado por los gusanos.

¿Y si esto solo fuera un sueño?

Ojalá esto no existiera, ojalá que tales barbaridades sea solo una pesadilla de la que intentamos despertar con dificultad. Ojalá el terror desaparezca, ojalá que solo exista paz. No nos merecemos esto, merecemos algo mejor en nuestra vida.

Lo que acabo de escribir quizás pueda corresponder en su mayoría a algunas frases de cualquier persona o como ya se ha bautizado, refugiados. Es doloroso cuando vemos a través de cualquier medio de comunicación estas guerras y como muchos de los civiles que residen ahí deben dejar todo como el oficio o casa que poseen e irse a buscar nuevas oportunidades en Europa aun sabiendo que no será un viaje fácil. 

No, no es fácil pues en muchos casos el rechazo por parte del país acogedor, en el caso de que puedan o quieran, hace que no puedan volver a vivir como solían hacerlo antes. Vivir como antes…qué equivocación. Un papel arrugado no puede volver a su forma original e incluso pueda ser tirado a la basura aun sin darle una oportunidad. Esto, desgraciadamente ocurre a muchos de estos refugiados pues la brutalidad de las guerras ha hecho mella en ellos.

Familias rotas, lágrimas en muchas ocasiones acompañadas de sangre, duele esta palabra pero aun duele más que no puedan secárselas; no cesa, esta guerra no tiene fin. No debemos mirar a otro lado por ser otro país, otro continente, otro modo de vida. No, no debemos mirar al lado feliz. Todos tenemos algo en común que es vivir y me parece algo inhumano que no se haga nada para solucionar este conflicto.

Muchos de los ciudadanos que acogen a los refugiados no lo aceptan y consideran que su llegada lo único que traerá será conflictos, robos, violaciones, quitar puestos de trabajos…Pero debemos meternos en su piel para saber que estas personas no vienen por gustos o por vacaciones, ellos no querían marchar de lo que hace un tiempo era su hogar, el hogar donde tenían su vida. En el caso de los españoles, hubo un tiempo en el que fuimos refugiados. Más bien nuestros abuelos y/o bisabuelos durante la Guerra Civil Española en la que muchos huían del terror y comenzar otra nueva vida en otros países. Si aquí pasó esta situación en otros tiempos, ¿por qué algunos rechazan a estos refugiados cuando España vivió esa misma sensación durante la Guerra Civil Española? 

En los refugiados se encuentra un grupo que sin duda no conocen nada más que el terror de las guerras, la muerte y el hambre. Me refiero a los niños refugiados, niños que viven su infancia sin apenas felicidad, su objetivo es únicamente sobrevivir a diferencia de lo que debería ser que es divertirse y jugar con todo aquello que te rodea. 

Muchas veces los intereses de unos poderosos hacen olvidar al pueblo y solamente cuentan con ellos en los momentos de elecciones, en el caso que ese país tenga el derecho al voto, o si el pueblo se manifiesta se suele acabar todo ello con una matanza o encarcelamiento masivo. Debemos dejar los intereses de uno y preocuparnos por todos. Porque todos somos personas, todos nos merecemos vivir dignamente; porque todos podemos hacer de este mundo un tanto mejor.   

El Hermano Menor

"El entretenimiento no hace mal a nadie. El arte estúpido y las ideas estúpidas, si" "El entretenimiento no hace mal a nadie. El arte estúpido y las ideas estúpidas, si"-Pierre Huyghe

La RAE todavía no ha incorporado una definición concreta para lo que se conoce como videoarte, tal vez porque la definición parte de lo que cada uno entiende como arte, o quizás es tan solo porque la Real Academia Española no considera necesario definir lo indefinible. Porque darle un significado único convierte al término en un convencionalismo, en un acuerdo de lo que es; si bien todos hemos hecho un pacto a ciegas con -casi- todos los tipos de arte. 

¿Qué ocurre con el videoarte? Que no podemos leerlo como leemos un cuadro de Pollock, que no podemos decidir si es o no arte. Esto, desde luego, puede ocurrir en todos los ámbitos, se puede dudar de una obra pictórica, pero los medios y el cine nos han acostumbrado a no dudar de su valor, a menudo de precios desorbitados. Por lo que los más valientes se colocarán delante de un cuadro abstracto con pose estudiada y apreciarán sus carencias. 

Mientras tanto, al otro lado de la sala, en una pantalla se proyecta un vídeo que aparentemente, no tiene ningún sentido. Lo que pasa es que la mayoría de veces sí que lo tiene, y somos nosotros los que no estamos educados para apreciarlo. Los usuarios del cine más convencional y las series de televisión aborrecerán cualquier intento artístico ante la cámara: El videoarte tiene un público selecto, requiere de una visión que ya haya sido educada. 

Sabiendo esto podemos aventurarnos a darle un nombre, y yo diría que se trata del intento de exprimir la estética a todo aquello que se muestra, moldear la estructura, combinar los cinco sentidos para crear texturas, imágenes y sonidos. Se pierde la necesidad de informar, de contar una historia -puede renunciar a la narrativa- para priorizar la experiencia sensorial. Fue a partir de los 60 cuando el videoarte se extendió por Estados Unidos y Europa de la mano de artistas como Nan Hoover -la considerada pionera del videoarte; “Fields of blue” (1980), “Light and Object” (1982)-, Eija-Liisa Ahtila -reconocida internacionalmente; “Consolation Service” (1999), “The Wind” (2006). 

También el español Jordi Colomer consiguió hacerse un hueco no solo en nuestro país, sino también fuera de este, con obras como “No future” (2006) y “En la pampa” (2008). 

A mi juicio, lo más interesante del videoarte es que se acerca peligrosamente al cine experimental, donde la estética es tan importante. Es una pintura en movimiento, una lanza directa a las emociones.  Muchos artistas lo usan para ponerle la guinda a su obra, como es el caso de Pierre Hughey (1962), un artista francés que ha plasmado su obra de todas las formas posibles. Hughey utiliza escenarios, esculturas y pinturas que luego pasan a ser los protagonistas de los vídeos que ha expuesto en numerosos museos. 

El arte contemporáneo se acoge a la imaginación de cada uno, dice el autor, pero no siempre es igual de admisible. En su caso, el museo pasa a convertirse en una obra de teatro donde sus obras y los espectadores forman una escena, tiene un propio universo, una estética aterradora y etérea. 

A diferencia de muchos artistas que, según Huyghe, optan por el camino de la industria y crean obras estúpidas, el autor no cree en las obras que no trascienden, en los desnudos y en los retratos que se venden por millones de Nueva York. En su obra se pierden los valores humanos, el tiempo adquiere otra medida y las imágenes siempre tienen más de una interpretación, porque el arte es creación, es cambio, versatilidad. Y el videoarte es el hermano pequeño del cine, un hermano mudo que solo se expresa a través de coloridos dibujos y sonidos extravagantes.

Human Mask                    

Pierre Huyghe (2014)                    

Para más información: Vimeo - Pierre Huyghe

Retrospectiva de un artista

Ser capaces de volver al propio corazón

En el vídeo vemos cómo dos personas bastante famosas, hablan entre sí, sin conocer nada del otro. Hay un momento en que mencionan las etiquetas y dicen que el hecho de no saber nada de la persona que tenían delante, ha impedido que vaya con una idea preconcebida, una idea errónea.

¿Cuántas veces hemos etiquetado a las personas? ¿Cuántas veces esa primera impresión ha hecho que interactuásemos o no con ella? ¿A cuántas personas maravillosas no hemos conocido debido a esto? Ya sea por la forma de vestir, su físico, por lo que hemos oído de él/ella… Los humanos etiquetamos y, al hacerlo, actuamos según unos prejuicios y, la mayoría de las veces ni nos molestamos en dar una oportunidad, en conocer y saber si la etiqueta es cierta o no;  porque total, seguro que siempre tenemos razón ¿no?

Para más información: Facebook - Siroko con INVULNERABLES

Grupo 4.B -> Tema 4 El vídeo y el documental -> 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

SEMANA 1   

Grupo 4. B: El vídeo y el documental

• Alba Navarrete Valdivieso   "Los estereotipos de la mujer por la sociedad"                                                                                                    Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yasmina Mansour Orti "Begotten"                                                   Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alejandra Martínez Alpiste   "Camisetas Sexistas"                 Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yaiza Maeso San Saturnino    "Hipocresía"                                       Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

Los estereotipos de la mujer por la sociedad

La mujer se está arreglando y vistiendo para lo que será su cita. Mientras se arregla observa que en la revista aparece este lema "Ce que j´aime chez. Entre feminite et arrogance" (Lo que me gusta. Entre la feminidad y la arrogancia).Desde el momento en que la mujer sale de la ducha a ver la revista, tiene una expresión de tristeza dando a entender que no se siente cómoda consigo misma. El espejo se revela contra la mujer, pues el espejo muestra cómo la puede tratar la sociedad.

Una mujer no debe ponerse tacones, maquillaje, actitud para contentar a la sociedad sino que ella debe sentirse a gusto y feliz consigo misma, pues quizás no le guste llevar tacones pero la sociedad la puede tachar como diferente de manera negativa. Una prenda o un maquillaje no hacen mejor o peor persona, lo que cuenta es el interior.

Con respecto a los cortometrajes, son muy pocos los que tratan de estos temas y a la vez con poca divulgación. Además que las mujeres tienen un menor porcentaje, un 8% a la hora de dirigir una película pero ya si nos adentramos en el guion o producción sigue siendo un porcentaje bajo, del 20% y al que se encuentra muy poco reconocido. Es por ello que existe la asociación de mujeres cineastas y medios audiovisuales para que se iguale la presencia de la mujer en este sector cuyo fin será contribuir a un equilibrio igualitario y sobre todo realista. Aunque cabe destacar que esta asociación no es exclusivamente para la mujer, pues todo aquel que quiera contribuir a este equilibrio que se pretende hacer es bienvenido.

Refiriéndonos a la imagen de la mujer en su totalidad estoy de acuerdo en que se muestre tal y como es, no solamente percibida desde el punto de vista del hombre, dado que en muchos programas, películas, dibujos…las mujeres son reflejadas más por su físico que por otra cosa a diferencia del hombre que siempre se muestra su imagen de lo más real posible. Pues es raro ver en programas tales como Ahora Caigo a una mujer presentando y llevando un papel humorístico, pues esta sociedad la vería como “tonta” a diferencia del hombre que lleva el modo “graciosos” en cualquier chiste que se presente.  

Debemos conseguir que desaparezca esa visión machista hacia la mujer, promover la igualdad, que las mujeres adquieran más puestos de dirección y decisión en cualquier trabajo al mismo modo de recibir un salario igualitario en el que el trabajo y su dedicación se imponga frente a que seas hombre o mujer.

Dejémonos de estereotipos, vivamos nuestra vida queriéndonos nosotros mismos y no siendo manipulados por nadie. 

Link: Una Mujer Frente al Espejo Cortometraje Animado HD

Begotten

Cuanto más domine la razón a un hombre menos probable es que acceda a la grandeza. Pocos pueden acceder a la grandeza –y ninguno al arte, si no están dominados por la ilusión.–Mr. Doctor

¿Cuántas veces hemos dudado del arte contemporáneo? Todos hemos visto alguna vez el clásico cuadro en blanco con manchas de pintura salpicadas de cualquier manera, o hemos visto el típico vídeo que se reproduce en bucle en cualquier museo. 

                                    

La sociedad se divide en dos tipos de personas; las que difieren del arte posmoderno y las que lo aceptan sin reparos. Desde luego, no hay una verdad absoluta y cualquier argumento -tanto a favor o en contra- pende siempre del eterno hilo del relativismo, por lo que la pregunta se convierte en la recurrente ¿Qué es el arte? Y para ella no hay respuesta que quepa en una página.  

Pues bien, en el llamado cine experimental ocurre lo mismo. Y es que cuando una obra depende de un autor, el resultado puede ser tan magnífico como desastroso. La verdadera duda llega cuando ni siquiera uno está seguro de lo que tiene delante, si es una película, una grabación con grandes pretensiones o propaganda religiosa.

Hace cinco años me encontré con una obra extraña, una película a medio camino del cine y el vídeo. Una locura inédita desde el primer fotograma, un contraste de blancos y negros que confundieron todos mis sentidos. Begotten (1991), que además fue considerada una de las mejores películas de la época, es la respuesta y la pregunta a muchos de los interrogantes que cualquier admirador del séptimo arte pueda hacerse. 

O al menos así lo consideré yo. No es solo una película, es una experiencia personal e intransferible; no puedo deciros si es una total y absoluta locura, la obra de un genio o la cumbre de la estética del terror. Porque, ante todo, Begotten es una película de terror; y no del más tradicional precisamente. La película prescinde de diálogos, de banda sonora (siendo los únicos sonidos el ruido ambiente y el incansable y perpetuo cantar de un grillo) y de un hilo argumental claro. 

Es por eso quizás que sea difícil categorizarla, aunque la respuesta está en los créditos finales, el único momento donde cada uno de los personajes recibe un nombre y podemos configurar una historia, uniendo las imágenes que ya hemos visto.

Otra cuestión fascinante y, repito, terrorífica de la obra es la forma de usar las imágenes. Cuando digo que es en blanco y negro, es que es en blanco y negro. Literalmente. No existe escala de grises. Todo pasa del blanco al negro. Esto, además de ser chocante, dificulta nuestro entendimiento y exige mucha más concentración, por lo que uno acaba fijándose el triple de lo que lo haría normalmente. 

Este detalle es importante para comprender qué la hace tan terrorífica: la máxima menos es más se luce totalmente en Begotten (Engendrado, en español), porque es la ausencia la que despierta nuestros sentidos. Ante lo desconocido, tememos, y ese es el mayor punto fuerte de la película; el espectador no puede situarse en ningún momento. Ni siquiera es capaz de llamar película a ese test de Rorschach en movimiento que esparce entrañas a lo largo de senderos. 

Es una obra visceral, cruda y grotesca, incomprensible y brillante (esto es lo que diría esa mitad de la población que sí defiende el arte en cualquiera de sus formas) aunque también podría tomarse como un timo, una pérdida de tiempo y un vídeo experimental en el que no hay una trama lógica. Porque, si solo se considera cine aquel que cumpla con ciertos requisitos, Begotten se queda fuera de cualquier lista... 

Link: https://www.youtube.com/watch?v=lHXgNn18z90

Camisetas Sexistas

En el vídeo podemos ver como una niña se queja de los distintos diseños para camisetas de niños y niñas. 

Por un lado encontramos las de las niñas con mensajes como "Beautiful", "Hot Enough" "Sweet" o "Hey" entre muchos otros. Por otro, el diseño de los niños contiene mensajes como "Be adventurous " "You can made it", etc. 

No puedo estar más de acuerdo con ella. Siempre me han molestado los mensajes de las camisetas femeninas, simplemente y al igual que le ocurre a ella, no les veo sentido. Entra en cualquier tienda y lee las camisetas, todas dicen lo mismo. "Sé guapa”, “maquillaje”, “blablabla"... Me parecen estupideces.

                    

Ya desde pequeños se nos condiciona para ser de una manera u otra y, el vestuario es uno de los muchos factores que hacen que desde una edad temprana se nos diferencie. Las niñas tienen que ir con faldas y medias, con cuidado de no mancharse ni romperlas mientras que a los niños se les viste de una manera cómoda pudiendo jugar más a gusto.

De pequeños, y desgraciadamente no tan pequeños, seguro que hemos oído el típico "Uy la camiseta rosa no, que es de chica" o  "No te compres esa chaqueta que está en la sección de hombre".

La niña del vídeo se ha dado cuenta de que hay cosas que no están bien y de que es necesario un cambio en la sociedad. Lo peor de todo es que ella, siendo tan pequeña, se ha dado cuenta pero muchas personas más mayores no ven problema alguno.

Link: Esta niña critica la camiseta de "niña"

Hipocresía

Spot del Salón Erótico de Barcelona Apricots, protagonizado por Amarna Miller, que se celebra del 6 al 9 de octubre. Pavelló Olímpic Vall d'Hebrón. 

Este vídeo artístico ha inundado las redes como si de una riada se tratase, y muchos nos preguntaremos ¿Por qué? Es muy sencillo. Las redes hoy en día eran como antiguamente la televisión, casi todos, por no decir todos, hacen consumo de ellas, y en una sociedad como la española en la que muchísima gente está cansada de la hipocresía de este país, con tan solo un click en compartir, hace que un video como este se haga viral.

Nos encontramos con un vídeo que se ha centrado sobre todo en la delicadeza visual y en decir verdades como puños. ¿Por qué por ser actriz porno tienes que ser llamada puta? ¿Es que no es un trabajo digno como cualquier otro? Cualquier persona tiene derecho de desempeñar la profesión que quiera y hacer con su cuerpo lo que le dé la gana. Deberíamos de dejar de escandalizarnos al ver nuestros cuerpos desnudos, mientras que casi ni nos inmutamos al ver cuerpos mutilados en los telediarios.

Otra pregunta, que muchas personas nos hacemos es. Si se lucha por el derecho a la vida ¿por qué una festividad tan atroz como las corridas de toros sigue en pie hoy en día? No puede ser arte ni razón de fiesta el hecho de que un toro muera acribillado en medio de un espectáculo, donde los asistentes aplauden el asesinato de un animal. 

Y es por razones como estas que nos encontramos ante un país hipócrita cuando dichos y orgullosos taurinos se escandalizan de la festividad china en la que cada solsticio de verano se celebra una “fiesta” a lo que yo más bien denominaría “matanza” en la que cientos de perros son asesinados para luego ser comidos. 

¿Por qué esto es visto mal y la matanza de toros y posterior exhibición de partes de su cuerpo ¡mutilados!, como el rabo  u orejas, no es tan malo? se lucha por la vida, se lucha por todas, no solo por las que nos convienen o las que más pena nos dan.

Dejando de lado las profesiones y los animales y centrándonos en la sociedad como tal, sigo sin comprender cómo el PP volvió a salir elegido en estas elecciones, ¿acaso no todos buscaban el cambio? ¿No todos estaban indignados con las riendas que estaba tomando el país? ¿Es que de repente los votantes del PP han salido bajo las piedras para votarlo de nuevo? Porque supuestamente TODOS estaban indignados… Pero así es el miedo, el miedo al cambio, a lo “desconocido” y si no hay cambio dudo que vaya a haber siquiera alguna mísera progresión.

Para finalizar, aunque España se considere a día de hoy un país en progreso, abierto y tolerante, un país que respeta a los inmigrantes, no es así, al menos en la mayoría del mismo. Si bien es cierto, hay muchas personas que luchan por la igualdad ya sea de género, de etnia, o de orientación sexual, pero todavía queda un largo camino que recorrer, sin ir más lejos miremos la reacción que hubo ante el árbitro homosexual, el cual fue insultado y abucheado, definitivamente lamentable. 

Queramos o no seguimos encontrándonos ante un país retrograda en muchos ámbitos. No sé cuántas veces habré escuchado en mi centro de salud mientras esperaba a ser entendida (en el que mi doctor es boliviano) salir a gente diciendo “Vamos a cambiarnos de doctor, puto guachupino, que no tiene ni idea, en esos países regalan los títulos y vienen aquí a robarnos el trabajo” 

¿Os estáis escuchando? Si realmente pensáis las pestilencias que salen por vuestra boca, necesitáis ayuda urgentemente. Es gente tan digna como tú, o incluso más y su grado tiene tanto valor como el nuestro. Vienen aquí a luchar por un futuro mejor, una vida mejor, y los recibís con desprecio ¿O es que ya se ha olvidado la emigración de españoles a países externos como América? ¿O la propia emigración que los estudiantes realizan a día de hoy buscando un futuro mejor, que saben que en su país no van a conseguir? ¿Os gustaría que los tratasen y menospreciasen de la misma forma que hacen algunos a los que vienen a España en busca de una vida más digna? Son realmente vergonzosas esas actitudes.

Me considero progresista y estoy de acuerdo con que lo mencionado en este vídeo, por lo que he de destacar, que bajo mi punto de vista, y aunque muchos no quieran admitirlo, España no es un país progresista, se podría decir que es un país que está en “progreso” por decirlo de alguna manera, pero tristemente, aún le queda un largo camino para alcanzar al 100% esa definición.

Link: Spot del Salón Erótico de Barcelona