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SEMANA 6   

GRUPO 4.C: EL VÍDEO Y EL DOCUMENTAL

• Germán Martínez Masanet "El futuro según Chris Cunningham"                                                         Epígrafe 4.4. El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performances, teatro, videoclip...

• Isabel Martínez Navarro "La ilusión como aval"  Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural  

• Marta Lluch Valero "Metrópolis - Videoarte viral"               Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performances, teatro, videoclip...

• Alba Garrido Sánchez "Poema Submarino"                     Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural. 

EL FUTURO SEGÚN CHRIS CUNNINGHAM

Chris Cunningham, director de videoclips británico, y el único capacitado, según William Gibson, en adaptar correctamente su Neuromante (la obra creadora de lo que hoy conocemos como “cyberpunk”).

Si Gibson dice esto es por algo, y es que Chris se ha especializado en vídeos que tocan la ciencia ficción Come to Daddy (Aphex Twin), TheNext Big Thing (Jesus Jones), Allis Full of Love (Björk), AfricaShox (Letfieldfeat. AfricaBambaata)) y el cine neo-noir (OnlyYou (Portishead)), elementos todos característicos del cyberpunk.

Su estética siempre suele poner a un individuo enfrentados al entorno: rascacielos, calles y callejones desiertos, normalmente haciendo gala de una amplia escala de grises; colores apagados que demuestran esa deshumanización que muchos artistas han visto en el futuro que confía todo al progreso tecnológico y no al intelectual y humano.

Esa visión de “la ciudad del futuro”, esa mirada que no es otra que la mirada selectiva de ciudades como Nueva York, L.A., Tokyo y Shanghai, se la debemos principalmente a Chris Cunningham, sin olvidarnos de Mark Romanek en Devil'sHaircut (Beck) o JumpTheySay (David Bowie). Juntos han contribuido a recrear esa imaginería de la que se han nutrido más tarde cineastas como VincenzoNatali (Cube, Cypher, Splice) o que vemos en películas como Matrix o Inteligencia Artificial.

En sus vídeos nunca se olvida, eso sí, del componente humano. El videoartista inglés no se recrea en la estética- fascinante, eso sí- del futuro, sino que la usa como marco para una crítica de cómo la tecnología nos posee, como el protagonista de AfrikaShox, que va perdiendo sus extremidades mientras camina por una evenida repleta de personas que le ignoran. Aquí la alienación y la propia ciudad, con el ritmo que impone (el ritmo del capitalismo tecnológico), muestran nuestra fragilidad y el poco espacio que queda para la humanidad en ella. No es casual que también haya hecho el vídeo de NY is Killing Me (Jamie xx feat. Gil Scott-Heron). El título lo dice todo, Nueva York, la ciudad, la modernidad, me está matando. En ella usa tres pantallas donde la velocidad, el flujo de información constante, vagones y estaciones de tren vacías, las luces de los rascacielos, se desfilan por esa visión de Nueva York tan personal, oscura y poética.

Cunningham es uno de los videoartistas más relevantes de esta época porque, a pesar de filmar un mundo que parece tan lejano, ficticio e inerte, no deja de hablar de nosotros mismos.

LA ILUSIÓN COMO AVAL

Para esta entrada quiero continuar con el cine. Buscando documentales para poder comentar, me encontré con uno que me resultó del todo maravilloso. American Movie de Chris Smith estrenado en 1999. Ganó el premio del jurado al mejor documental en el Festival de Cine de Sundance. En 2002, la International DocumentaryAssociation lo incluyó dentro de los 20 mejores documentales de todos los tiempos.Dos años más tarde, el periódico The New York Times la incluyó dentro de las 1.000 mejores películas jamás creadas.

En ella, el director sigue a Mark Borchardt, un estadounidense que sueña con dedicarse al séptimo arte de manera independiente. Mark vive con sus padres y convive con múltiples problemas: el alcoholismo y las deudas que eso conlleva. Además de tener tres hijos a su cargo y una exnovia que quiere quitarle la custodia. Por todas esas necesidades, en 1994 decide comenzar con un cortometraje en blanco y negro, Coven, que cree que le dará la financiación necesaria para su gran sueño, su película Northwestern. Lo seguimos durante este periplo junto a su amigo Mike Schank, otro tipo no en mucha mejor situación que el propio Mark.

Desde las perspectiva de un estudiante de Comunicación Audiovisual creo que resultará realmente divertido y del que podemos sacar muchas enseñanzas (tanto de lo que debemos hacer como lo que no) y sentirnos identificados en lo emocionante que resulta encontrarte ante tu opera prima sin mucha más financiación que la propia ilusión. Os dejo el enlace al tráiler para que echéis un vistazo.

METRÓPOLIS - VIDEOARTE VIRAL

El programa de televisión emitido por La 2 de TVE, Metrópolis, es un programa semanal sobre cultura y arte contemporáneo. He elegido el programa titulado Videoarte viral, emitido el 5 de mayo de 2013, donde recopilan piezas artísticas de diferentes partes del mundo, ya que varias entradas que he escrito están dedicadas a este tipo de vídeo. 

Los diez trabajos que recopila el programa son realmente interesantes y originales; utilizan diferentes técnicas y formatos y cada uno de ellos lleva consigo un mensaje o una crítica. Entre ellos, destaco los siguientes: Synesthesia, Birds on the Wires y The Future. 

El programa comienza con un interesante trabajo que trata la sinestesia a través de las experiencias sensoriales de dos hermanos. La pieza surrealista Synesthesia es una de las más populares en internet y está realizada por Terri Timely, un equipo formado por dos jóvenes, Corey Creasey e Ian Kibbey, realizadores de clips musicales, cortometrajes y spots publicitarios californianos cuyos trabajos recrean increíbles mundos imaginarios de espacios y personajes surrealistas. La sinestesia es la asimilación conjunta o interferencia de varios tipos de sensaciones de diferentes sentidos en un mismo acto perceptivo. Una persona sinestésica puede oír colores, ver sonidos y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. Así, en Synesthesia, se crea una atmósfera original y colorida a partir de una escena cotidiana como es la hora de la comida. Vemos cómo hacen tostadas de libros, enchufan los auriculares a la comida, salen gatos y otros animales de los altavoces y uno de los personajes nombra diferentes colores cuando huele discos de música. Una serie de elementos que crean un escenario surrealista y un trabajo único que, quizás, a una persona condicionada por la sinestesia no le resulta tan extraño. 

SYNHESTESIA

El segundo proyecto que presentan es Birds on the Wires, del artista multimedia procedente de Brasil, Jarbas Agnelli. Una fotografía publicada en un periódico, donde aparecen unos pájaros posados en cables de electricidad, inspiró a este artista a crear esta pieza donde descifra la composición musical que formarían esos pájaros si en lugar de cables estuvieran sobre un pentagrama. El trabajo fue realizado sobre la foto original, sin retocar, publicada en agosto de 2009 en el periódico brasileño "O Estado de São Paulo", capturada por Paulo Pinto. El artista afirma que solo tenía curiosidad acerca de la melodía que crearían esos pájaros si fueran notas musicales. El resultado es una melodía compuesta por varios instrumentos, muy relajante, inspiradora y ligada a la naturaleza. Es un buen trabajo, con una buena composición, pero no es exactamente original, ya que no es la primera vez que alguien hace esta comparación. Existe un comercial de PBS emitido en 2002 donde un pianista ficticio encuentra inspiración para una nueva composición mirando por la ventana, donde se da cuenta de algunos pájaros reunidos en los cables. 

Por último, entre los trabajos expuestos en el programa, se encuentra The Future, una animación en 2D en blanco y negro en torno a la idea de cómo será el futuro. Alex Goddard es el creador de esta pieza; es un realizador y animador procedente de Reino Unido, productor de la plataforma de difusión audiovisual Kino London. El trabajo empieza con los coches flotantes y sigue con más objetos flotantes, adquiriendo un tono bastante cómico durante toda la proyección, hasta que al final suelta algo que a mí me ha quitado la sonrisa: "No más osos polares". 

Cuando pensamos en el futuro, la mayoría no piensa en las consecuencias de lo que ocurre aquí y ahora, pero la realidad es esa. Cientos de especies en peligro de extinción por la acción del hombre (más las que ya se han extinguido) y el planeta Tierra en una constante amenaza gracias al ser más inteligente que vive en él. Pero lo más grave que ocurre a día de hoy, sin duda, es la indiferencia del ser humano ante la devastación de su propio hogar. Un trabajo que parece que solo quiere hacer reír con unicornios flotantes y tostadas con cara de Cristo flotantes, pero que esconde una dura crítica al ser humano y que me ha recordado al primer y único documental que comenté, titulado La era de la estupidez, donde se reflexiona sobre por qué no evitamos destruir el planeta aún siendo totalmente conscientes de ello. 

The Future

POEMA SUBMARINO

¿Qué es el océano? ¿Cómo influimos en la vida submarina? Estas son algunas preguntas a las que quieren dar respuesta Jacques Perrin y Jacques Cluzaud con el documental Océanos (2009). Con una voz en off muy breve que no pretende ser un hilo conductor, estos dos cineastas nos transportan a lo más profundo del océano mediante imágenes impresionantes, sonidos y músicas. 

Océanos, con un presupuesto de más de 50 millones de euros, está considerado la producción documental más espectacular de la historia. Gracias a este gran presupuesto, el equipo pudo crear innovaciones técnicas como nuevas grúas y carcasas para conseguir filmar las imágenes tan fascinantes que contiene este documental. Como si de una declaración de amor se tratara, Océanos, nos ayuda a descubrir desde las lagunas tropicales hasta los lugares más inexplorados donde no llega la luz solar; desde criaturas conocidas a criaturas de las que todavía no sabemos mucho. Un poema visual que no dejará a nadie indiferente.

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SEMANA 7

GRUPO 4.B: EL VIDEO Y EL DOCUMENTAL

• Yasmina Mansour Orti "Child of light"                                                      Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alejandra Martínez Alpiste "Océanos"                                         Epígrafe 4.3 El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural

• Alba Navarrete Valdivieso   "La humanidad, la especie más peligrosa de la tierra"                                                                     Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yaiza Maeso San Saturnino   "Contigo"                                                 Epígrafe 4. 4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

Child of light

Los videojuegos son uno de los apartados que suelen olvidarse cuando hablamos de arte. Para empezar, no es así como nos los venden, y es por esta razón que mucha gente considera este tipo de ocio como un hermano bastardo de todas las demás artes. Claro que es imposible (o no) considerar obras artísticas a juegos como Call of Duty o el típico Super Mario Bros, pero hay juegos que han apostado por la estética como el punto fuerte de su encanto. La estética de los videojuegos es tan diversa como los temas que tratan, desde la aventura gráfica hasta los juegos de rol. 

Muchos videojuegos utilizan recursos que se usan también en el videoarte, como collages, sobreimpresiones, efectos de vídeo…En el caso de Child of Light, un juego de aventura gráfica, predominan sobre todo estas sobreimpresiones y una banda sonora que embellece el juego y lo convierte en poco menos que una obra de arte. En ocasiones recuerda también a un videoclip, por la calidad de sus imágenes y los detalles. No está muy claro quién influye a quién, pero lo que sí es seguro es que el arte audiovisual ha transformado la manera de concebir casi cualquier cosa.

Océanos

Océanos es una película documental francesa dirigida por Jacques Perrin. Explora todos los océanos de nuestro planeta centrándose así en la biología marina. Transmite la necesidad de cuidar el planeta y enseña los efectos negativos del ser humano sobre este medio.

Para realizar el film, fueron necesarios cincuenta millones de euros, más de cincuenta localizaciones y cuatro años. 

No soy muy fan de los documentales. El formato, aunque me parece interesante debido a todo lo que aprendes, me es aburrido sobre todo con la voz del narrador. Óceanos es la excepción.

En esta película no encontramos la típica voz del narrador (el propio director) que va explicando todo lo que ocurre; las pocas veces que la escuchamos funciona a modo de reflexiones y pensamientos sobre la belleza de los mares, sobre cómo estamos contribuyendo a su deterioro.

Me parece increíble lo que el equipo de este film ha conseguido, hay planos que te dejan con la boca abierta por su belleza como el de la enorme ballena junto a un cámara o el del tiburón blanco. Se nota el cuidado que hay tenido a la hora de grabar Te metes de lleno en la película y parece que estás ahí cuando las tortugas nacen o al lado de los delfines.

El sonido también tiene un papel muy importante. 

La humanidad, la especie más peligrosa  de la tierra 

¿A que después de este vídeo te sientes mal? ¿Alguna vez has colaborado en alguno de esos actos? No hace falta una respuesta ni una culpa, si no una reflexión acerca de qué estamos haciendo a la tierra, nuestro lugar de vida.

Prácticamente desde la existencia de la humanidad el mundo ha cambiado en ocasiones no se sabe si a bien o a mal pero lo que está claro es que en nuestra manos está proteger o destruir nuestro planeta.

Cientos de animales extintos, cientos de bosques destruidos, cientos de vertidos tóxicos a la tierra, al agua y en contínuo movimiento en el aire, etc. Todo el mundo piensa que el animal más mortal/peligroso pueda ser la serpiente (por ejemplo), pero la realidad es que es la humanidad el animal más mortífero.

Me siento esperanzadora con que existan, aunque hayan aparecido tardías, organizaciones o simplemente personas que realmente son conscientes de lo que está ocurriendo y ponen todo su empeño en que el resto de humanidad acepte la realidad y juntos podamos cuidar la tierra.

Contigo

Esta vez he decidido cambiar un poco la temática de mis críticas centrándome más en la música y en el videoclip como tal. No nos encontramos ante un videoclip trabajado fotográficamente hablando, nos encontramos ante un videoclip que no necesita de una historia visual para transmitir lo que pretende, tan solo con la letra lo logran de sobra. Y es que las letras de esta cantante te llenan tanto porque lo hace desde dentro, lo hace desde el amor. Como declara en su página de Facebook “La otra”, en información dice que empezó a escribir por la soledad que sintió hace algunos años, que la música le llena el alma, que la sociedad en la que vivimos nos hace daño continuamente de miles de formas, y que con la música es con lo que se siente bien y le hace vivir en paz y armonía.

Es una canción original compuesta por una joven cantautora, llamada Isa. Conocí sus canciones el pasado octubre y que buen descubrimiento. Concretamente la canción Contigo, del álbum Pa’dentro y Pa’fuera me parece una canción verdaderamente increíble ya que es un tipo de música que llega a los jóvenes y ayuda a luchar por la la igualdad y a hacer de las relaciones de pareja una relación agradable e igualitaria. En su letra denota una relación de amor perfecta, como debería de ser, en la que mutuamente se dan todo pero sin quitarse la libertad y sin la necesidad de tener que hacer sobreesfuerzos por encima del límite de lo personal. Tal como dice la cantautora “quererte libre y quererme libre” no necesita más que 5 palabras.

Ya basta de príncipes y princesas, de relaciones que te consumen, de miedos, de tristeza. No tenemos por qué aborrecer el amor, solo hay que construir nuevas formas de entenderlo, de vivirlo y de sentirlo, sin la necesidad de cortarle las alas a nadie.

Adjunto la letra de la canción para todo aquel que quiera poner un poco de su tiempo en leerla detenidamente y absorber el mensaje tan bonito que se pretende transmitir con ella.

Letra

“Yo no me muero si no estás aquí, puedo andar bien caminando sin ti, no me haces falta ni eres mi media naranja en la vida, voy aprendiendo a curarme yo misma todas mi heridas.

Pero contigo, es cierto que el mundo parece un poco menos feo contigo, es cierto que a veces romper las cadenas duele un poco menos, y aprendo contigo y contigo camino, me encanta todo lo que  hemos compartido, tirando barreras rompiendo los mitos, te quiero libre, y me quiero libre contigo.

Dicen que me da miedo la libertad, no sentirla nunca más miedo me da, nadie nos dijo que fuese a ser fácil, sacarnos de dentro los cuentos de un príncipe azul, la luna me dice que puedo ser bruja, ser fea, violenta y matar a algún rey. Romper los esquemas, quebrar el sistema, coger una escoba y en vez de barrer, lanzarme a volar en la noche.

Sin miedo de ir sola por un callejón, sin miedo de hacer lo que me salga del cooo….ntigo, es cierto que a veces romper las cadenas duele un poco menos, y aprendo contigo y contigo camino, encanta todo lo que hemos compartido, tirando barreras rompiendo los mitos.

Te quiero libre y me quiero libre contigo.

Te quiero libre y me quiero libre contigo.”

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SEMANA 5

GRUPO 4.B: EL VIDEO Y EL DOCUMENTAL

• Yasmina Mansour Orti "No me abraces, tengo miedo"                        Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yaiza Maeso San Saturnino "Dactylifera ¿Dactyliqué?"                       Epígrafe 4.3 El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural

• Alejandra Martínez Alpiste   "Tu propia medicina"                 Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alba Navarrete Valdivieso   "Infancia maquinizada"                               Epígrafe 4. 4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

No me abraces, tengo miedo

¿Cuál es vuestra idea favorita? La mía es ser creativa.

Así empieza la canción que introduce al primero de los seis cortometrajes de la serie Don’t Hug Me I’m Scared, que empezó publicándose solo en la página web de los creadores, los artistas británicos Becky Sloan y Joseph Pelling. Poco tiempo después aparecieron en Youtube, donde el éxito les esperaba con los brazos abiertos. La serie sigue una estética colorida e infantil donde los protagonistas son marionetas. A cada cortometraje suele acompañarle una canción sencilla y animada. Aunque debido al aspecto barriosesamesco de los vídeos podamos pensar que se trata de un entretenimiento infantil, DHMIS esconde mucho más detrás. De hecho, la crítica social que muestra cada uno de los vídeos es la clave del éxito que ha suscitado en la red. En primer lugar, se utiliza una imagen infantil para mostrar la cara más sangrienta y sucia del mundo. El hecho de que se haya escogido este formato es otra crítica más: es a través de los dibujos infantiles, de las marionetas y las canciones inocentes, que miles de imágenes y mensajes malintencionados se cuelan en las cabezas de los más pequeños. Es una manera de control. La inocencia es la vena más tierna donde inyectar la aguja del morbo. Y este es el tema en que se basa el primer vídeo, Creative. Se trata de una crítica a los medios de comunicación y la manipulación que ejercen sobre todos y cada uno de nosotros, representándolos como un pequeño cuaderno que anima a sus compañeros a ser creativos. Aunque al principio estos no ven nada, él les anima a mirar a través de una lupa y comienzan a ver las formas. Esta lupa es la visión de un periodista, aquello por lo que nos permiten ver a través. En mitad del proceso creativo, uno de los personajes dice que su color favorito es el verde. El cuaderno le explica que el verde no es un color creativo, ya que no se encuentra entre uno de los colores pintados sobre él. Esto es, aquello que no figure en lo establecido, como el color verde en este caso, no puede considerarse como válido. El vídeo comienza a tornarse oscuro cuando uno de los personajes pinta un cuadro. El cuaderno le advierte que se lo tome con más calma y cae pintura negra sobre su lienzo, haciendo desaparecer la genuina obra de arte. Esto puede traducirse como el intento del espectador de pensar por sí mismo, de crear algo diferente. Los medios arruinan esta posibilidad a través de muchos ataques, la mayoría de veces, invisibles. 

Entonces, la música cambia y se convierte en un sonido chillón y desagradable. El vídeo se convierte en una animación 3D durante unos segundos y se nos muestra el lugar donde se crea la magia negra: un estudio de grabación. Los personajes comienzan a crear impulsivamente y utilizan órganos humanos, sangre. Cómo los medios se comen, literalmente, la mente abierta y nada cuestionable de un niño.

Aunque oculta, la crítica está en cada uno de los vídeos, que continúan la historia de los protagonistas. El resultado, verdaderos trabajos artísticos con un trasfondo sincero, turbio, a veces melancólico y sobre todo, profundo. Reflexiones bajo la piel de gomaespuma y el papel charol.

Dactylifera ¿Dactyliqué?

El documental, ¿Qué entendemos por documental? Mucha gente, al encontrarse ante esta pregunta recurriría a decirte es, algo así como una película cinematográfica o programa televisivo que trata temas de interés científico, social, cultural, etc., mediante hechos, situaciones y personajes tomados de la realidad y cuya finalidad es informativa o pedagógica. 

Pero, de lo que mucha gente no es consciente, es que dentro de la temática de los documentales nos encontramos ante un subtipo, denominado “falso documental” o documental de ficción. ¿Qué de que se trata? Pues viene a ser un género de cine, televisión o una obra de dicho género. Normalmente se suele incluir dentro de la comedia, aunque existen casos de falsos documentales dramáticos. El falso documental se presenta como una grabación de la vida real, aunque se produce como una obra de ficción en la que numerosos sucesos son manipulados.

Esta vez, voy a tratar un vídeo de cosecha propia. Nos encontramos ante el documental Dactylifera, realizado por Yaiza Maeso San Saturno y Alejandra Martínez Alpiste.

Este documental trata un tema real, que consiste en el poco comercio que se realiza en la ciudad de Elche del dátil Ilicitano. Pero, como se puede apreciar, el hecho por el que no se comercia el dátil ilicitano en Elche no es el que se trata en el video.

El fin de este video, es mostrar, que cualquier hecho, sea histórico o de la cotidianeidad, puede ser manipulado al antojo del que lo da a conocer. La realidad deja de ser real cuando decidimos mostrar una parte del todo, cuando encuadramos solo la parte que nos interesa y dejamos fuera de encuadre el resto de cosas que componen lo que en detalle estamos viendo. La cosa esta en ¿Cómo sabemos cuando una fuente es real o no? Porque de no ser que se posicione este video en la categoría de falso documental, si se le enseña a alguna persona que no pertenece al entorno y no sabe del comercio ilicitano y del por qué no consumen apenas su propio dátil ¿qué les impediría pensar que lo que están viendo no es real? ¿Qué les impediría pensar que María José Alpiste es científica cuando en realidad es enfermera? ¿O qué les impediría creer que los ilicitanos tienen una enfermedad hacia su propio dátil? Nada.

Y es por eso por lo que debemos de estar informados, y no creer lo primero que oigamos en la televisión. Este mundo esta lleno de trampas y de ideologías que solo muestran la parte que les interesa mostrar, y es por eso, por lo que debemos de investigar y contrastar antes de dar algo que te cuentan como cierto.

Y recuerda, no basta con decir solamente la verdad, conviene más mostrar la causa de la falsedad. Todo puede ser real, tan solo depende de la medida en que lo creas

Tu propia medicina

A veces, con la tecnología, parece que pasamos más tiempo en internet o gente que tenemos a kilómetros de distancia que con nuestra propia familia  o amigos. Esto es lo que refleja este cortometraje.

Seguro que todos conocemos a alguien muy enganchado a las redes sociales que no puede apartarse del móvil.

En poco más de un minuto y medio, se ha expuesto una situación cotidiana relacionada con esto y,  apoyándose en el humor, se ha puesto una “solución”. 

Me ha parecido una idea buenísima. Una buena manera de hacernos pensar sobre lo realmente importante, nuestra familia y el tiempo que pasamos juntos.

Infancia Maquinizada

El cortometraje del que a continuación hablaré, lo recomendaría a todo el mundo, pues su historia y posteriormente lección es un reflejo de nuestra sociedad día tras día.

Puede que no nos demos cuenta pero la infancia es algo que debemos recordar 100% y en la que la creatividad sea su gran poder y no algo prohibitivo. 

No se debe recriminar si se es diferente, al contrario hay que aplaudir dicha creatividad. Muchas veces la educación vuelve a las personas como máquinas en la que el mínimo fallo suele ser negativo. 

Es cierto que debemos aprender cosas pero siempre de una manera divertida y no con miles de libros en los que se estudian vertiginosamente y luego tras el examen todo se olvide. En cambio si algo te lo has aprendido de una manera en la que te has divertido, te aseguro que por mucho tiempo que haya pasado eso se retendrá mucho mejor.

Sin duda, los niños son el futuro y tenemos que otorgarle una bella infancia y sobre todo que tengan una educación creativa pues de ese modo tendrán más motivaciones y no formarán todos una máquina si no que cada uno tendrá su creatividad.

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SEMANA 4

GRUPO 4.B: EL VIDEO Y EL DOCUMENTAL

• Yasmina Mansour Orti "De-Formación"                                                    Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Yaiza Maeso San Saturnino    "Vendetta"                                              Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alejandra Martínez Alpiste   "YOU DON’T HAVE TO TRY"                 Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performance, teatro, videoclip...

• Alba Navarrete Valdivieso   "La tecnología a un ritmo diferente"                                                                                           Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural

De-Formación

Algunas veces la técnica arremete y se apodera del sueño antes de que el propio escritor pueda aprehenderlo, decía William Faulkner. En cualquier arte, la técnica, la llamada forma, puede ser la diferencia entre una obra brillante o una mediocre. Aunque no es una regla que ha de cumplirse ni mucho menos un parámetro del arte, en este caso la técnica es la reina y la corona de la obra en cuestión. Si hablamos de videoarte y prescindimos de una narrativa (como comentaba en las entradas anteriores) lo único que resta es la forma que el autor quiera darle, como un alfarero que pone todo su empeño en hacer la mejor vasija, para luego no llenarla nunca. Con esto no quiero decir que la forma exima al fondo, sino que adquiere una mayor importancia sobre él. La solución de esta ecuación sería entonces algo así como:

Videoarte= Forma

He decidido nombrar a Cyriak Harris como el rey de la forma. ¿Hay una manera más pura de utilizar una estructura que utilizando la estructura misma? El artista británico (músico y animador) se basa en la estructura del caos; crear el caos del orden y orden del desorden. Las figuras geométricas, los detalles sin sentido giran y se enroscan en torno a una pantalla que se convierte en algo completamente desconocido ante nuestros ojos. Aunque aparentemente los vídeos que realiza no tienen sentido por la inexistencia del hilo argumental, se trata de una experiencia meramente visual, que apela a todos los sentidos. Ya que las imágenes, grotescas, despiadadas, hipnotizantes y deformes se acompañan de música y sonidos que suenan tal y como sonarían esas figuras, el conjunto se convierte en una pesadilla, en una realidad interestelar. Como si mirásemos nuestra realidad a través de un caleidoscopio, y los seres humanos se redujeran a trozos de carne cilíndricos. 

A diferencia de otras obras de videoarte que buscan un significado más profundo, el encanto del surrealismo de Cyriak reside en el espanto de lo efímero. Donde prima la experiencia y los ojos se salen de las órbitas en el primer visionado. Por supuesto, esta manera de apreciar el arte no tiene tanto de intelectual (…) por lo que, si lo que se busca es el sentido de la existencia humana, probablemente no se acerque a cubrir esa necesidad. Contradictoriamente, al tratarse de un arte tan abstracto y de libre interpretación, cada uno de los vídeos (que duran poco más de tres minutos) pueden analizarse desde un sentido más filosófico. El estilo recuerda ligeramente al utilizado por Elias Merhige en Din of Celestial Birds (2006), un corto que siguió a la película del mismo director Begotten, que ya mencioné anteriormente.

El artista, además de dedicarse a la grotesca animación (según él, porque los detalles morbosos de los dibujos de la infancia han de seguir vigentes) también ha realizado distintos videoclips, siendo uno de los más conocidos Cirrus (2013) para Bonobo, un famoso músico británico.

Vendetta

Nos encontramos ante "SHE'S BAD" de DyE'S, de su nuevo álbum denominado "COCKTAIL CITRON". Este vídeo cuenta con un total de 1.700.790 de visitas.

Este vídeo está dirigido por Dent De Cuir y producido por Excuse My French / Premiere Heure & Tigersushi.

Se trata de un vídeo artístico que ha llegado a muchas personas por su temática. Nos encontramos con un chico y un chica que se seducen entre sí, pero se sale de lo común cuando en algunas zonas de sus cuerpos aparecen distintos animales.

La temática que ha llamado la atención de este vídeo es bastante gore, pero lo realmente importante de este vídeo es lo que dice sin decir, lo curioso son los mensajes ocultos que se encuentran en él. Es un vídeo que según la persona que lo vea y su experiencia tendrá una visión muy distinta a la mía, o a la de cualquier otra persona que haya vivido experiencias diferentes. 

A continuación voy a analizar el vídeo.

Lo más fácil a pensar tras ver este vídeo sería que los seres humanos en el sexo, son como animales, o mujer que se ha ligado a un hombre y que es “mala o está loca” por lo que hace en el minuto (2:01), momento en el que muerde los genitales de su “ligue”. 

Pero, si miramos más afondo ¿Qué encontramos? Pues encontramos varios símbolos ocultos, uno de los más destacados se encuentra en los billetes que saca de su cartera el hombre, en estos billetes aparece la figura del Pavo Real, animal macho que cuando trata de atraer a la hembra muestra su precioso y esplendido plumaje, como son en este caso los billetes de este hombre. Así pues, con esta actitud está tratando de “comprar” a la mujer, humillándola, como si solo por su dinero fuera a ir cual babosa tras de él. Si seguimos viendo el vídeo se puede entender que este hombre usará su dinero para manipularla y conseguir que ella tenga relaciones sexuales con él a cambio de dinero, momento en el que ella muerde el miembro sexual del hombre como venganza por tratarla de la manera en que lo ha hecho.

Otra interpretación podría llegar a ser que la chica, cuyo género es el femenino, es peligrosa y agresiva, dado el uso de animales felinos o de diversos animales cazadores que se muestran en su cuerpo. Esto se hace evidente cuando ella se quita el sujetador (1:42). En ese instante las imágenes de los animales que se vuelven agresivas como sinónimo de que ya tiene en la red a su presa y se dispone a hacerla suya.

¿Y tú, que interpretación sacas de esto?

YOU DON’T HAVE TO TRY

Try  es una canción compuesta y cantada por Colbie Caillat del 2014. 

La canción comienza así: 

Put your make up on

Get your nails done

Curl your hair

Run the extra mile

Keep it slim

So they like you.

Do they like you?

Colbie Caillat habla de la necesidad que muchas veces sentimos de encajar en la sociedad y como para hacerlo, llegamos a cambiar nuestra forma de ser. En el vídeo vemos que se centra en el maquillaje pero si escuchas la canción, habla de todo.

La cosa es que cada uno es como es y nadie es perfecto, ni siquiera esa modelo que seguimos en instagram, ni el hombre fitness de esa otra cuenta. Todos tenemos inseguridades y complejos. Hay veces que nos centramos tanto en nuestros defectos, en mejorarlos o esconderlos que se nos olvida nuestras virtudes, porque sí, sí tenemos cosas bonitas, sí hacemos cosas bien. 

Aunque no seamos ni los más guapos ni los más listos hay algo que nadie más puede ser: tú. Y eso es lo mejor que hay. Deberíamos aprender a querernos más.

Colbie llega a la misma conclusión: 

Take your make up off

Let your hair down

Take a breath

Look into the mirror, at yourself

Don't you like you? Cause I like you

La tecnología a un ritmo diferente

Supongo que a la sociedad juvenil puede que no le haya llamado mucho la atención este vídeo, pues están acostumbrados a estas cosas día tras día o si llega el caso de emocionarse será por un breve periodo de tiempo. Pero, ¿qué opinarán aquellos como padres, abuelos que no han vivido esta evolución a una manera vertiginosa?

Siempre son dirigidos dichos vídeos a jóvenes y en muy pocos casos se llega a pensar si a alguna persona mayor de 40 puede interesarle; ni tan siquiera se le pide su opinión.

Debemos de mostrar a nuestros mayores lo que la tecnología nos está otorgando y nunca debemos dejarlos atrás simplemente por no haber nacido en este “boom”.

Como hemos podido apreciar, por lo menos en mi caso este tipo de vídeos me emociona hasta el punto de calentarme la cabeza y pensar en qué se ha basado para poder realizarlo y si le ha gustado a sus círculos de amistades al mismo tiempo que a familiares. ¿Habrán sentido lo mismo que yo? ¿Cada perfil recreará una opinión bastante diferente? ¿Y si lo ven dos géneros opuestos? 

Piensen, reflexionen estas preguntas pero sin olvidar que estos vídeos son una muestra de evolución de nuestro mundo y al mismo tiempo de nuestra sociedad.

Grupo 4.C -> Tema 4 El vídeo y el documental -> 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural / 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performances, teatro, videoclip...

SEMANA 4   

GRUPO 4.C: EL VÍDEO Y EL DOCUMENTAL

• Germán Martínez Masanet " Esperando a los bulldozers"                                                                                   Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural  

• Isabel Martínez Navarro "Salvar una vida es salvar a la humanidad"                                                                                                  Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural  

• Marta Lluch Valero "Nebbia (2009) 8 minutos – Antonio Savinelli"                                                                                    Epígrafe 4.4 El videoarte y las artes. Contexto histórico y cultural del nacimiento del videoarte. Evolución: performances, teatro, videoclip...

• Alba Garrido Sánchez  "Desmontando el imperio"                  Epígrafe 4.3.El documental. Tipos de documentales. El documental como documento cultural  

Esperando a los Bulldozers

Este documental (filmado en vídeo digital) tiene la apariencia de una docuficción. Lo único que no hay documental es el modo (al que nos referiremos en la conclusión) de narrar la historia real de un barrio marginal de Lisboa: Fontainhas. Ese microcosmos del mundo occidental y de ese capitalismo que arrasa todo a su paso encuentra otro microcosmos en esa habitación en la que Vanda consume heroína, tose y escupe todo el tiempo. Un lugar tranquilo, íntimo y público al mismo tiempo, como su barrio. Las calles no se distinguen de los pasillos de las casas. Son lugares en los que estar a salvo. Los enemigos son los que mandan esos bulldozers, los que muestran la empatía (nula) de las máquinas que poseen.

En No quarto da Vanda el espacio lo es todo; el espacio es sinónimo de persona y, claro, arrebatar el espacio es arrebatar la dignidad.

La mayor parte del tiempo observamos escenas de interiores, en penumbra, siniestros y artísticos. 

Esa oscuridad no la emparenta con la estirpe de películas de terror. En todo caso, con el tenebrismo de Caravaggio, Rembrandt, o los interiores de Vermeer... Costa encuentra la belleza de la pobreza, la miseria, la ruina... dignificándola.

En un primer momento podríamos pensar que ellos mismos, los habitantes de Fontainhas, son sus propios enemigos: drogadictos, vulgares... pero después podemos percibir que esa oscuridad viene dada por su inminente desalojo. Fontainhas es el lugar (como muchos otros en el mundo) al que se destierra a las personas, las personas sin oportunidades, atada a su estatus social.

A medida que se acerca el epílogo, los personajes muestran su tristeza, inquietud y pesimismo por ser forzados a abandonar sus casas. También hacen referencia a su infancia feliz.

Sin embargo, la mirada de Pedro Costa acerca de esto (si lo alaba o lo condena) nunca es tan evidente como en el epílogo del documental.

La obra finaliza con cinco planos que apoyan esta decisión:

• 1º (2:38:24 – 2:39:46): Una pala excavadora acaba con las paredes de una casa.

• 2º (2:39:46 – 2:40:41): Un bar de Fontainhas donde el dueño friega el suelo mientras la tele suena de fondo con el volumen muy alto (impidiendo que el ruido de las demoliciones entren en escena).

• 3º (2:40:41 – 2:41:03): Un primer plano de una jaula y una mano cogiendo el pájaro que había dentro. Luego queda la jaula vacía. 

• 4º (2:41:03 – 2:45:32): Volvemos a la habitación de Vanda. Las dos hermanas siguen fumando heroína mientras el ruido de fondo, el fuera de campo de los bulldozers y las palas excavadoras sigue in crescendo, como si se acercara a su casa, a su cuarto. Si el plano anterior de la excavadora no evocaba ningún tipo de inquietud, este produce ansiedad y agobio. Es el primer momento de la película en que se transmite algo realmente desagradable, pudiendo extrapolar el sentimiento al resto de la cinta. Vanda se va del cuarto, dejando a Zita sola. La voz de un niño se oye también de fondo hasta que entra con un trozo de madera, arrancado de una casa. La demolición está cerca. Zita lo abraza.

• 5º (2:45:32 - 2:46:48): El plano de una calle donde sobresale del suelo un trozo de una antigua pared (una antigua casa). Un hombre que pasa por ahí se apoya. El sol alumbra el lugar. También la destrucción del espacio es una oportunidad de crear uno nuevo, aunque la elegía que suena con un plano negro entre este plano y los créditos finales nos disuaden de creer que esto es un final feliz. Tampoco triste. Real, demasiado real.

A modo de epílogo diremos que Pedro Costa, como Samuel Beckett o Béla Tarr, hace un arte político sin recurrir a sus códigos habituales, dificultando su catalogación. El cineasta portugués hace una obra que marca un antes y un después, pues usa unos métodos para hacer que un documental parezca una ficción, un manifiesto político use 0 retórica revolucionaria y un retrato de la ruina sea arte. Ante el estancamiento de un género, Costa nos muestra sus posibles claves para sobrevivir, relegando a un segundo plano lo discursivo y dando de la mano, al contrario que el documental del pasado, al arte.

Salvar una vida es salvar a la humanidad

Esta semana he elegido este documental que ganó el Oscar al mejor documental corto en 2016. Llevaba tiempo queriendo verlo, por el tema tan crudo y emotivo que trata. Así que, aproveché esta entrada para hacerlo. Dirigido por Orlando von Einsiedel y producido por Netflix, Cascos Blancos nos enseña la labor social que realiza este grupo en Alepo y otras ciudades sirias cada día. Nos muestra una vida difícil, arriesgada y que las cámaras nos saben transmitir. No hay un tan sólo día en el que Siria no sea bombardeada y quien más lo padece es la población. Por ello, se formaron los Cascos Blancos, los cuales son hombres provenientes de diferentes ramas de formación laboral y que se hacen uno solo para rescatar a quien sea necesario entre los escombros de los edificios. Además, como son personas sin ningún tipo de formación en emergencias, los acompañamos en uno de los cursos que realizan en Turquía para aprender y ser capaces de actuar lo mejor posible.

Es un documental con controversia, pues hay quien dice que los Cascos Blancos son marionetas de países como Estados Unidos o Reino Unido. Es más, en ocasiones algunas frases parecen un tanto forzadas o teatrales. Pero creo que eso debe de quedar a un lado si lo comparamos con el trasfondo y la historia tan dura que retrata. Y si aun así no nos convence, nunca viene mal ver más cosas de las que ocurren en Siria. Pues todos sabemos lo mal que lo están pasando, pero las imágenes tan fuertes (vivir en una ciudad que parece más un cementerio o la inseguridad de no saber si hoy será tu casa o tu familia la que sucumba ante las bombas) nos hacen darnos cuenta de la suerte que tenemos.

Aún no he logrado quitarme el desasosiego de los 40 minutos que dura, pero confío que con su visionado, nos hagamos un poco más humanos. Dejo el tráiler para que le echéis un vistazo, lo podéis encontrar en Netflix.

Nebbia (2009) 8 minutos – Antonio Savinelli

Nebbia (2009) es un videoarte que explora la búsqueda de sí mismo y el encuentro inesperado con la verdad. La niebla es el elemento principal de la obra y tiene como significado la tergiversación de la realidad, ya que actúa como un manto que impide distinguir las formas con claridad.

La mujer que camina (el desarrollo narrativo del videoarte) se adentra en un pasaje inquietante e imponente, mientras la niebla actúa como precursora de la revelación. Lo que lleva a la mujer a realizar el viaje es el deseo profundo del equilibrio interior y la necesidad de experiencias nuevas, lo que genera el rechazo a su vida colectiva y social. Abandona su equipaje y se quita algunas prendas, sumergiéndose en un trascendente estado de liberación. La sensación de tranquilidad y calma se ven favorecidos por un río que hace fluir sus emociones. Aparece un borrego dulce e inocente que se separa de su rebaño y emprende su propia vivencia. Al igual que la mujer, se sumerge en el espesor de la niebla: los dos se introducen en el misterio y surgen analogías y ambos descubren la verdad. 

Ahora, esa sensación de bienestar se desvanece y se percibe la tristeza al mostrarnos cómo el borrego se encuentra con un rebaño de vacas etiquetadas y, al mismo tiempo, la mujer se topa con árboles que tienen colgados un código de barras, haciendo una crítica al mercado moderno. El hombre intervino, propuso un nuevo orden, delimitó el espacio y etiquetó, generando la ruptura con el estado de libertad del inicio de la obra. Esa niebla que disuelve el viaje de la mujer y del borrego, es la misma que envuelve al ser humano y no le deja percibir ni comprender debidamente la realidad actual.

Para más información: Vimeo - NEBBIA (videoarte, video art, videoacreación)

Desmontando el imperio

Fahrenheit 9/11 es un documental estrenado en 2004 dirigido por Michael Moore. Este director es conocido por su visión crítica hacia la sociedad y su postura progresista. Toda esta postura la plasma en sus películas documentales mediante una buena narración fílmica y el humor, algo complicado ya que los temas que suele tratar son, por ejemplo, la libertad, la violencia, la explotación laboral, etc.

Este documental, que ganó el premio La palma de Oro, trata sobre los años de la presidencia de George W. Bush, sus relaciones con la familia Osama Bin Laden y el conflicto bélico que se generó después del 11 de septiembre de 2001. En Fahrenheit 9/11, Michael Moore pone en duda a los cargos más importantes de la Casa Blanca y saca a la luz hechos que se produjeron durante la presidencia de George W. Bush. 

Con un tono más televisivo que cinematográfico y mediante la ironía y el sarcasmo, este director consigue denunciar el aspecto teatral que tiene la política además de sacar a la luz los verdaderos intereses de muchas personas implicadas en la política. A pesar de la clara subjetividad que inunda el documental, Michael Moore plantea preguntas y dudas que se mantienen en la cabeza del espectador incluso después de haber finalizado su visionado.